Haute Culture Magazine

Categorie: Art & Design

RAD ART FAIR, evenimentul dedicat artei contemporane, în mai la București
Cel mai important eveniment dedicat pieței de artă contemporană din România, RAD ART FAIR va avea loc între 16 și 19 mai la CARO în București. Vor fi expuși peste 90 din cei mai relevanți artiști români ai momentului, de la prezențe tinere ce provoacă status quo-ul prin experiment și rezistență, până la artiști ce și-au început activitatea în anii ‘70 și au contribuit la fondarea scenei de artă din România.

Numărul galeriilor participante în acest an este în creștere cu 25% față de anul trecut, iar 11 galerii participă pentru prima dată. Galeriile participante în acest an RAD Art Fair sunt: 2/3 galeria, Atelier 35, Biju, Cazul 101, Diptych, G15 Design, IOMO, Ivan, Jecza, Laborna, Lutnița, NEW NOW, Plan B, Gregor Podnar, Galeria Posibilă, Anca Poterașu, Relicvar, Galeria Romană, Sabot, /SAC, Sandwich, Sector 1, Suprainfinit, Catinca Tabacaru, Zina.

Inițiativa RAD își propune să consolideze și să promoveze scena artistică locală, aducând împreună artiștii și galeriile de renume din România, alături de cei mai activi curatori și colecționari români și internaționali. Relevanța și energia constructivă a evenimentului a fost dovedită și prin prezența a peste 6.000 de persoane care au vizitat ediția din 2023.

„Dacă întrebi cunoscătorii de artă contemporană din România, toți îți vor spune că RAD ART FAIR 2023 a fost momentul T0 pentru piața de artă contemporană din țară. A fost prima oară în istoria țării când majoritatea galeriilor de prestigiu s-au unit sub același acoperiș și au consolidat ecosistemul lumii artei prin prezența unei mase critice de artiști, colecționari, curatori și scriitori Români”
Catinca Tabacaru, co-director

Sub direcția artistică a Catincăi Tabacaru și a Danielei Pălimariu, RAD FAIR 2024 este organizat de cele 9 galerii fondatoare, care se numără printre cele mai prestigioase și vizibile din România: Cazul101, Jecza, Plan B, Galeria Posibila, /SAC, Sandwich, Sector 1, Suprainfinit, și Catinca Tabacaru. Printre noutățile acestei ediții se numără expoziția RAD Design ce aduce în prim plan obiecte de design în serie limitată (collectible design), precum și simpozionul dedicat dialogului între curatori români și internaționali, RAD Curatorial.

„Metodologia colaborativă a proiectului este ceea ce îl face singular: este un modus operandi imperativ pentru complexitatea la care a ajuns deja scena de artă din România. Una din cele mai mari provocări a fost aceea de a aduce împreună, lucrând umăr la umăr, atât de multe personalități puternice, care, de ani buni, construiesc scena din România și sunt și cele mai recunoscute pe plan internațional”, explică Daniela Pălimariu, co-director.

Pe parcursul celor 4 zile de târg, publicul va avea acces la o diversitate de activități menite să consolideze și să împrospăteze comunitatea din jurul evenimentului, să educe și să apropie publicul larg de arta contemporană prin mediere culturală, creând, în același timp, legături pe termen lung între cei investiți în această comunitate.
- 25 de Galerii ce vor introduce publicului cei peste 90 de artist romani si internationali expozanti în cadrul RAD FAIR 2024. O atenție deosebită va fi oferită prezentărilor Solo/Duo (cu câte unul sau maxim doi artiști în dialog), cu scopul de a oferi o înțelegere mai profundă a practicii artistice;
- 6 Discuții publice axate pe piața și scena de artă regională cu experți naționali și internaționali;
- 30+ lucrări în Parcul de Sculpturi ocupând un spațiu de 5000 mp pe marginea lacului, cu acces gratuit, timp de o lună (9 mai – 9 iunie);
- 20+ opere de Collectible Design, parte de expoziția RAD Design curatoriată de Adela Maria Marius, fondatoare Epretext;
- 50+ lucrări în ediție limitată la secțiunea RAD Editions, cu prețuri începând de la 100 euro.
- RAD Kids, programul educațional ce oferă zilnic ateliere cu artiști vizuali.
- RAD Curatorial ce reunește 20 de curatori din 10 țări într-o serie de discuții aplicate pe contextul regional;
- OFFSITE RAD, o serie circuite artistice în București, cu expoziții, proiecte, și evenimente speciale în timpul RAD Fair.
- În colaborare cu diferite entități private, RAD va oferi 10 premii de achiziție din cele peste 300 de lucrări expuse.
RAD ART FAIR se așteaptă să atragă la ediția din 2024 peste 9500 de vizitatori, dintre care 1800 VIP și profesioniști. Parcul de Sculptură, cu vizitele gratuite timp de o lună, își propune să aducă arta mai aproape de publicul larg, anticipând peste 10.000 de vizitatori.
18/03/2024
Nicoleta Chirica, designerul român care creează genți din ananas

Nicoleta Chirica este fondatorul și designerul Iutta, un brand slow fashion 100% românesc, care crează genți din frunze de ananas, o alternativă sustenabilă a pieselor cu broderii în piele naturală.

Iutta este un brand românesc care integrează în colecții accesoriile sustenabile, realizate din frunze de ananas. Gențile cu motive brodate, coduri ancestrale ce ne aduc aminte de rădăcinile noastre, sunt purtate cu dor de către femei din țară, dar și din afară. Purtătoarele de dor, cum le spunem noi, duc mai departe simbolurile atent brodate odată cu povestea fiecărui produs, realizat în atelierul propriu din inima capitalei.

Nicoleta Chirica este designerul care și-a transformat pasiunea pentru genți într-un business sustenabil. Am povestit cu ea despre misiunea Iutta și despre noua colecție de piese vestimentare pe care urmează să o lanseze curând.

Haute Culture: Care a fost și este misiunea Iutta?

Nicoleta Chirica: Tocmai am trecut în al zecelea an de la lansarea brandului. Am început Iutta din joacă. Inițial a fost un exercițiu de creativitate care mai apoi s-a transformat într-o poveste organică, asumată, ce a prins contur pas cu pas.

Misiunea, încă de când Iutta era doar o schiță pe foaie, a fost să construim un brand românesc slow fashion, etic, sustenabil, care să spună povești cu rost, profund conectat la rădăcinile noastre.

Acum, în prag aniversar, integrăm sustenabilitatea în fiecare aspect al businessului pas cu pas, trecând prin multe transformări, care, cred eu, sunt o poartă către nou.

H.C: De ce genți din ananas?

N.C: Gențile au fost prima mea iubire. Am pornit cu niște piese couture, realizate din lemn sculptat, în colaborare cu tatăl meu. Astfel, au luat contur genți care au rămas în varianta unicat, fiind reproduceri după niște schițe foarte vechi găsite în arhiva sculpturilor tatălui. Apoi au urmat gențile brodate în piele naturală.

Fiecare colecție pe care am creat-o are povestea ei, fiecare simbol brodat a avut semnificația lui, astfel încât gențile nu au rămas doar genți, ci au devenit „doruri”. Doruri de elemente românești care să te ducă cu gândul acasă, la lucrurile simple care te împlinesc și îți aduc bucurie.

Materialul vegan realizat din frunzele de ananas rămase din recoltarea fructelor este o inovație marca Pinatex, cea mai recentă colaborare Iutta.

Gențile realizate din această alternativă sunt varianta 100% sustenabilă a unor piese din arhiva noastră, pentru cei care aleg să nu poarte piele. Un material certificat, fără adaos de chimicale în procesul de producție, pentru care se folosesc eficient resursele de apă, energie, oameni și materii prime.

Am testat mai bine de un an durabilitatea genților din Pinatex, materialul produs de brandul Pinatex, și rezultatul a fost cel așteptat: putem oferi varianta vegană pentru unele dintre produsele noastre, fără a compromite calitatea și designul lor.

În plus, am creat o colecție capsulă din ananas și rafie, care a fost foarte bine primită de public.

H.C: Cum arată procesul de fabricație al unei genți din ananas?

N.C: Trebuie să recunoaștem că gențile din Pinatex sunt cu mult mai greu de lucrat decât cele din piele naturală, iar costurile sunt mai mari. Ele necesită mai multă atenție, datorită faptului că pielea din ananas se comportă foarte diferit de cea naturală în procesul de producție.

Canturile se vopsesc diferit, subțierea materialului se face diferit, îmbinarea pieselor a trebuit pe alocuri modificată. Acești pași sunt importanți pentru a respecta standardele de calitate. Pentru asta a fost nevoie de multe teste și o recalificare a personalului.

Colecția Iutta x Pinatex, realizată din mixul dintre rafie și pielea vegană din ananas, a fost o provocare. Trebuie să găsești mereu îmbinarea potrivită a materialelor și să iei în considerare cât de practice sunt de fapt ideile în procesul de producție.

H.C: De ce să alegi o geantă din ananas în locul uneia confecționate din piele naturală?

N.C: În primul rând pentru că înțelegi conceptul de sustenabilitate și pentru că acesta poate deveni un stil de viață. Cu toate că accesoriile din piele sunt în continuare o opțiune de preferat în locul materialelor sintetice datorită durabilității în timp, pielea din ananas este total sustenabilă. Către acest punct ne dorim să ne îndreptăm.

H.C: Care au fost reacțiile clientelor?

N.C: Răspunsul a fost pozitiv mai ales din partea clientelor din afara țării, ceea ce ne confirmă că pe plan local sustenabilitatea nu este atât de bine integrată în viața de zi cu zi și trebuie să recunoaștem că încă mai avem de lucru la asta.

Ne dorim ca prin diferite evenimente și campanii viitoare să reușim să aducem acest subiect în prim plan și la noi, pentru a se înțelege beneficiile și impactul pe termen lung.

H.C: Care sunt cele mai populare piese și de ce?

N.C: Dacă ne uităm la arhivă, piesele iconice rămân „dorurile”, primele noastre modele brodate cu motive din fiecare zonă geografică a țării, cu care clientele rezonează la nivel identitar, pentru că le amintesc de rădăcini.

Apoi, Polaris, Magpie, Puffin, Axis Mundi, Superbum sunt produsele și ele foarte îndrăgite nu doar pentru design, ci și pentru că mesajul lor este unul de conectare și cu alte tărâmuri mistice, pe lângă cel al rădăcinilor noastre.

H.C: Am aflat că urmează să măriți portofoliul cu alt tip de produse.

N.C: Lucrăm de destul de mult timp la o colecție nouă, pe care urmează să o lansăm curând. Este vorba de genți, pantofi, dar și de o linie de haine. Folosim materiale organice, fine, brodate, pentru un public rafinat. Am visat la această etapă dintotdeauna. Necesită resurse complet diferite, practic este un alt business integrat, cu alt sistem de producție, pe care îl pregătim de câțiva ani și pe care îl vom anunța foarte curând.

09/02/2024
THIS IS MY YOUTHOPIA. 6 tineri și lumea lor

Timișoara a fost anul acesta terenul de joacă pentru mulți artiști. Între ei, 6 tineri care și-au deschis lumea lor publicului larg. THIS IS MY YOUTHOPIA, care încheie proiectul Post-Digital Intersections, organizat de Asociația Culturală Marginal, a intrat în ultima sa săptămână.

În incinta Palatului Ștefania din Timișoara, pot fi admirate lucrări de la șase tineri timișoreni aleși în urma unui apel deschis, care au lucrat cu șase tineri curatori pentru a-și dezvolta propriile proiecte în jurul conceptului post-digital și pornind de la tema curatorială Youthopia. Accesul publicului este liber.

Cele șase spații create explorează idei și practici post-digitale în instalații complexe, de mari dimensiuni, într-o căutare de demistificare a digitalului și de întoarcere la ceea ce contează cu adevărat.

„Post-Digital Intersections a fost o provocare deschisă de a vorbi despre lumea care ne înconjoară într-un mod liber, deschis și mai ales direct, renunțând la limbajul criptic pe care arta îl folosește în general. Prin modul deschis în care toți participanții au răspuns la provocare, de la tinerii artiști, la mentorii din toată lumea și, nu în ultimul rând, la toată echipa proiectului, am deschis un dialog despre probleme societale cu care ne confruntăm zi de zi“.
Andrei Tudose, curatorul programului Post-Digital Intersections.

Cei șase tineri artiști timișoreni care expun în cadrul expoziției THIS IS NOT MY YOUTHOPIA sunt Alexandra Costea, Anca Șișu, Andreea Ioniță, Dorian Boloca, Ioana Bartha și Sorin Valea iar curatorii care le-au fost alături din cadrul Centrului de Excelență în Studiul Imaginii din București sunt Alexandra Buiga, Andra Merfu, Eliza Pătrașcu, Iulia Kycyku, Mihai Milea și Miruna Barcan.

„THIS IS NOT MY YOUTHOPIA nu este doar “încă” o expoziție în programul cultural intens al Timișoara 2023. Expoziția are la bază un program mentoral unic, care a fost o experiență bogată și complexă. Am fost surprinsă de maturitatea și calitatea lucrărilor care au rezultat în urma acestui program, deschiderea tinerilor artiști și semnificațiile stratificate surprinse de aceștia, care au generat discuții aprinse între mentori. Am fost intrigată de faptul că multe dintre lucrări abordează tematici legate de memorie și pierdere, în special având în vedere că sunt propuse de către tineri. A fost foarte interesant să descopăr cum fiecare dintre ei a încorporat aceste subiecte într-o maniera diferită, atât material cât și estetic“
Annick Bureaud, coordonator studenți CESI pentru expoziția THIS IS NOT MY YOUTHOPIA.

12/12/2023
Replică din LEGO a Lamborghini Sian FKP 37 va fi expusă în România

Replica la scară 1:1 a modelului Lamborghini Sián FKP 37, construită în nici mai mult, nici mai puțin de 8.660 ore, se îndreaptă cu pași repezi către București și Cluj-Napoca.

Construcția este realizată din peste 400.000 de piese LEGO și cântărește 2,2 tone. 15 designeri, ingineri și constructori au lucrat cu peste 154 de tipuri de piese LEGO Technic la această reproducere în detaliu a automobilului. De la exteriorul vopsit manual, printr-o tehnică revoluționară folosită pentru prima dată pe o replică în mărime naturală, chiar de către vopsitoria oficială a celor de la Automobili Lamborghini și până la farurile funcționale, redate în mod autentic. Și nu numai detaliile exterioare sunt spectaculoase. Habitaclul le oferă cunoscătorilor senzația că se află la volanul automobilului, și nu într-o construcție LEGO. Detaliile de pe bord, dar și volanul construit până la ultimul detaliu transpun „șoferul” într-un adevărat Lamborghini Sián FKP 37.

„Seturile LEGO Technic reprezintă vârful inovației în materie de jucării pentru copii și adulți deopotrivă, încă din 1977. Designerii noștri adoră provocările și își testează constant creativitatea, pentru a depăși limitele imaginației și a le oferi fanilor șansa de a construi, din piese LEGO, autovehiculul preferat. În același spirit, Grupul LEGO a reușit să proiecteze, cu ajutorul echipelor extinse de ingineri și designeri, modele de mașini sport în mărime naturală, inclusiv acest Lamborghini Sián FKP 37’, care acum va putea fi admirat și în România. Replica acestui model excepțional a bifat numeroase premiere și reușite, de la primele cărămizi hexagonale concepute special pentru a reda exteriorul în detaliu, până la iluminarea liniilor de design, pentru a pune în evidență curbele vizionare și forma organică a mașinii.”
Valery Kasimov, Country Manager Romania & Bulgaria pentru Grupul LEGO

Cuvântul „Sián” înseamnă „fulger” în dialectul bolognez. Pentru a marca acest lucru, maeștrii electricieni care au lucrat la replică s-au asigurat că ies în evidență până și cele mai discrete detalii. Pe lângă farurile din față (inspirate de litera epsilon din alfabetul grecesc) și cele hexagonale din spate, contururile spectaculoase ale mașinii sunt iluminate cu ajutorul unor leduri decorative, stilizate în forma unor fulgere. Și au fost create special elemente transparente și roșii pentru a fi complementare acestor detalii. Elementele care aduc un omagiu adevăratului model Lamborghini Sián nu se opresc aici: caroseria este realizată dintr-o matrice de peste 1.400 de piese heaxgonale. Pe de o parte, forma a fost aleasă pentru că reflectă designul cu șase laturi atât de important în limbajul de proiectare al Automobili Lamborghini. Și pe de alta, aceasta le-a permis inginerilor să experimenteze cu liniile construcției, pentru a se asigura că aceasta redă cât mai fidel emblematicul automobil italian.

Mașina construită integral din piese LEGO Technic va putea fi admirată între 26 și 30 noiembrie în Park Lake Shopping Center din București

Evenimentul oficial de lansare va avea loc pe 26 noiembrie, de la ora 12:00, cu surprize atât la fața locului (în Park Lake), cât și în magazinele certificate LEGO. Replica LEGO va fi expusă și în Cluj Napoca, între 2 și 7 decembrie, în Vivo! Mall. Programul de vizitare în ambele orașe va fi 10:00-22:00.

20/11/2023
Ayako Funatsu:Drumul de la design la artă

Despre Ayako Funatsu se poate spune că este o japoneză cu suflet românesc. A venit în România în urmă cu aproape 30 de ani și s-a îndrăgostit iremediabil de țara noastră, în care a decis să rămână pentru totdeauna. După mai multe joburi în turism, resurse umane și mase plastice, japoneza a decis să pună bazele Origami & Paper Flowers Natsuko, pentru care are planuri mari.

La scurt timp după ce a citit un mic articol despre România, apărut pe la jumătatea anilor ’90 într-un ziar japonez, Ayako Funatsu și-a dorit să afle mai multe despre acest loc îndepărtat, necunoscut și misterios. Astfel, pașii au purtat-o spre cea mai apropiată librărie, de unde a cumpărat un ghid turistic despre România și Bulgaria.

Își amintește și astăzi că în paginile acestuia scria foarte mult despre ospitalitatea și căldura românilor, care nu ezită să invite turiștii la masă, mai ales în zonele rurale, un concept care în cultura foarte rece a japonezilor nu există.

Cum Ayako Funatsu era pasionată de călătorii și își dorea să descopere locuri, culturi și oameni noi, nu a mai stat pe gânduri și, în 1995, a venit în România. A călătorit singură, cu rucsacul în spate, timp de două săptămâni, vizitând mănăstirile din Suceava, orașul Rădăuți și obiectivele turistice din Maramureș. I-a plăcut atât de mult încât a luat decizia să revină și anul viitor în vizită. Și anul următor la fel. Un an mai târziu, concediul din timpul verii tot în România a prins-o.

„Eram ca un copil care se duce în fiecare vacanță de vară la bunici, la țară. Eu nu mai eram copil, dar așa mă simțeam când veneam în vacanța de vară în România”, își amintește zâmbind Ayako Funatsu. „Trei ani mai târziu, m-am gândit cum ar fi dacă mi-aș face o viață în România, în loc de Japonia. Și am zis să încerc. Am venit în 1999 pentru trei săptămâni, să caut de lucru. Am avut mare noroc că am găsit ceva repede, într-o agenție de turism în București, cu care am semnat contractul. În mai 2000 am venit aici și m-am mutat definitiv”, spune Ayako Funatsu într-o română perfectă cu accent japonez.

După trei joburi în turism, mase plastice și servicii profesionale de recrutare, în 18 ani de muncă în România, pentru angajatori alături de care s-a format și a acumulat experiență, a decis să transforme în business ceea ce dorește să realizeze în viață: crearea unei noi istorii de artă prin dezvoltarea domeniului de flori de hârtie. Așa a luat naștere, în urmă cu cinci ani, Origami & Paper Flowers Natsuko, un atelier care produce manual aranjamente florale unicat, lucrate cu migală dintr-o hârtie special adusă din Japonia și SUA. Ayako a pus astfel bazele unui business de nișă și a creat o nouă piață în România, iar creațiile sale au fost primite entuziast de români, care sunt pasionați de cultura japoneză și își doresc să afle mai multe despre această artă.

„Rolul meu este să scot în evidență frumusețea hârtiei. În limba japoneză hârtie se traduce prin «kami», care mai înseamnă și păr, dar și Dumnezeu. Eu cred că Dumnezeu nu ne dă produsul finit, ci doar materialele. Eu cred că am primit hârtia să creez ceva cu care să împodobesc această lume, să o fac să fie mai frumoasă. Așa simt. Eu fac cu pasiune ceea ce fac, dar cred că ceva dincolo de pasiune mă împinge să merg mai departe. Eu o gândesc ca pe o misiune, misiunea mea pe acest Pământ”
Ayako Funatsu, fondatoarea Origami Natsuko.

Toate obiectele care ies din mâinile artistei japoneze sunt unicat și lucrate cu cea mai mare atenție la detalii, iar pentru realizarea unui buchet de flori din hârtie, Ayako alocă între cinci ore și jumătate de zi.

Nu e de mirare că operele artistei au devenit din ce în ce mai căutate și se bucură de tot mai multă popularitate în rândul românilor. Mirese care își doresc să păstreze buchetul din ziua cununiei sau cupluri care vor să ofere ca mărturie micile obiecte de artizanat produse de Ayako se numără printre clienții atelierului japonezei. Nu lipsesc nici marile corporații, care își doresc să înveselească birourile, să decoreze spațiile urașe din holuri sau chiar bordul aeronavelor, unul dintre clienții corporate ai artistei fiind un mare operator de private jet-uri.

Foto: Vali Mirea Photography

În perioada de pandemie, când majoritatea angajaților a lucrat de acasă și companiile nu s-au înghesuit să își prelungească „abonamentul” la decorațiuni florale din hârtie, pentru Ayako, o gură de oxigen a venit de la celebra emisiune antreprenorială Imperiul Leilor, unde a paricipat și o obținut o finanțare din partea antreprenorului Dan Șucu, fondatorul Mobexpert, unde pot fi găsite acum o parte dintre creațiile japonezei.

În perioada următoare, Ayako și-a propus să lucreze cât mai mult cu designeri de interior și arhitecți a căror viziune este să integreze lucrările din hârtie japoneză în spațiile pe care le gândesc, mai ales că naturalețea și simplitatea stilului nipon au devenit foarte populare în decorațiunile interioare. Acesta este motivul pentru care Ayako Funatsu a făcut recent și o serie de cursuri de design interior caresă o ajute să aibă o vedere de ansamblu a întregului spațiu.

„Prima dată am început cu închirierea aranjamentelor florale la clienți corporate. De obicei mă duceam în diferite locuri, dar nu aveam cunoștințe de design interior și trebuia să văd ansamblul. Ceea ce fac eu în prezent este în mare parte design, iar acesta trebuie să fie în perfectă armonie cu locul. Partea de design înseamnă între trei și cinci ani, după această perioadă oamenii se plictisesc și vor să facă schimbări. De aceea, eu pe termen lung vreau să fac artă. Creațiile mele trebuie să comunice cu persoana respectivă, findcă un obiect de artă nu mai plictisește. Îmi doresc ca peste 100 de ani, cineva care va găsi lucrările mele să fie impresionat și să le pună la un muzeu”, spune Ayako Funatsu despre viziunea pe care o are pentru Origami Natsuko.

08/11/2023
Cafeneaua Veche 9, cea mai veche cafenea din București, premiu pentru design la Bienala de Arhitectură

Cafeneaua Veche 9, cea mai veche cafenea din București, situată într-o clădire istorică din centrul vechi, atestată în 1812, este premiată pentru Arhitectura de Interior la Bienala Națională de Arhitectură 2023.

Loc de întâlnire al elitei de odinioară, Cafeneaua a avut ca oaspeți personalități ale culturii româneşti: Mihai Eminescu, Veronica Micle, Ion Luca Caragiale și Regele Carol al II-lea. Cafeneaua Veche era locul în care își savura cafeaua Mihai Eminescu, la acea vreme, Redactor-șef la publicația Timpul, al cărei sediu, Hotel Universal, era pe strada Covaci, chiar lângă locul în care de acum cafeaua rafinată și meniurile complexe sunt savurate de bucureșteni.

În documentele oficiale Cafeneaua Veche apare atestată la 1812, însă povestea începe în anul 1781, când armeanul Ștefan Antîlop primește permisiunea domnitorului Alexandru Ipsilanti să construiască o cafenea în apropierea Curții Domnești.

Cultura și moștenirea locului a atras investitorii într-un proiect ambițios, ce a implicat renovarea și redeschiderea publicului a celei mai vechi cafenele a Bucureștilor. Actualii proprietari și-au dorit conservarea aerului pitoresc al epocii trecute, dar în același timp aducerea în actualitate a unui spatiu care în urma amenajărilor sucesive își pierduse relevanța.

Astfel, nu au existat intervenii asupra exteriorului – zidurile, acoperişul de ţiglă şi obloanele sunt recondiţionate după vechile tipare. Cele 200 de capete de lei şi cele opt chipuri gravate pe zidurile albe datează din secolul XIX. Plăcuţa inscripţionată cu numele cafenelei și cele două lămpi de fier suspendate pe faţadă se numără printre elementele arhitecturale care s-au păstrat peste ani.

Cea mai veche cafenea din Bucureşti se află în fața Pieţei Sfântul Anton şi a fost atestată documentar în 1812.

Restaurantul din Centrul Vechi își propune să exprime pasiunea pentru oraș, istoria și cultura lui, dar și spiritul modern, reflectat în selecția rafinată a meniului.

25/10/2023
Pictorul Bogdan Andronic: „Nu am devenit regizor de filme pentru adulți, așa că introduc erotismul în artă”

Pictura a fost mai mult decât un hobby pentru Bogdan Andronic. A pictat pentru prima oară la opt ani, iar ani mai târziu a ajuns să realizeze coperte pentru cărți fantasy românești, grafică 3D pentru diverse jocuri video, inclusiv The Witcher și artă erotică.

În Roman, județul Neamț, la numai opt ani, Bogdan Andronic descoperă gașca pictorilor și scriitorilor din oraș. Începe, aproape imediat, ucenicia la pictorii locali, cărora le pregătește culorile și pânzele.

Doi ani mai târziu, merge singur la Cercul de pictură din cadrul „Casei Pionierului și Șoimilor Patriei”.

Așa era pe vremea aia, îmi povestește el, zâmbind.

În acea perioadă, Bogdan Andronic l-a cunoscut pe Haidu Iosif, care i-a devenit mentor și l-a susținut încă de la început. Fiind crescut doar de bunică, Bogdan nu a primit sprijinul apropiaților, așa că atunci când a intrat sub aripa pictorului Iosif, el a simțit că arta nu trebuie să fie doar un hobby.

Era prin clasa a opta atunci când am primit un loc la masa artiștilor care își petreceau timpul în cadrul unei cafenele mai puțin cunoscute din Roman.

Cafeneaua era așa cum este acum Green Hours, iar artiștii aveau masa lor, unde nu reușea să ajungă oricine.

A urmat o perioadă ciudată, fluctuantă, pentru Andronic. După finalizarea Liceului industrial mecanic, acesta s-a înscris la facultate, la Iași, dar nu a fost admis. În 1995, a venit în București cu colegii săi de breaslă ca să picteze biserici.

A intrat la Facultatea de Artă din București abia în 2005, unde, pe lângă cunoștințele pe care le avea, a mai acumulat experiență, informații și s-a dezvoltat. Facultatea a reprezentat un punct important în cariera lui. Acolo nu a învățat doar tehnică, ci și istoria artei.

Descoperirea stilului

Trecerea de la pictura bisericilor la arta erotică nu este una firească. Bogdan Andronic a făcut acest pas pentru că și-a dorit mereu să devină regizor de filme pentru adulți. Nereușind acest lucru, a preferat să exploreze erotismul prin pictură.

Mi-a plăcut mereu arta brută, care, în majoritatea cazurilor, se duce în zona erotică.

Andronic are un stil aparte, ciudat, abstract, recognoscibil. Nu pictează în acest stil de când se știe, ci a construit asta în timp, prin zile întregi în care a muncit și a exersat susținut.

Ca să-ți descoperi și să-ți creezi stilul, mi-a povestit Bogdan, trebuie să alegi trei artiști pe care-i admiri, să-i studiezi în detaliu și să le îmbini stilurile astfel încât să rezulte unul nou, pe care să ți-l însușești.

Pictorii care l-au inspirat pe el sunt Gustav Klimt, Jean-Michel Basquiat și, bineînțeles, Picasso.

După ce mi-am descoperit stilul, m-am hotărât să las pasiunea să se vadă. Pentru mine, arta înseamnă purificare, iar atunci când creez, când pictez, am o uriașă poftă de viață.

Arta brută, un stil de viață

Să aleagă pictura brută a fost o dovadă de curaj pentru Bogdan Andronic. Pictura brută nu are canoane și nu ține cont de reguli. Creezi imaginea și starea pe care vrei să o transmiți folosind culori tari, stridente, nediluate și necombinate, direct din tub.

O culoare foarte importantă pentru Bogdan, pe care o folosește destul de des în arta lui, este roșul. Uneori cel brut, alteori tonuri.

Regizor

Combinația asta aduce viață, trăire și noimă în pictură, în scenele pe care le creez.

Privind lucrările lui Andronic, poți observa mai mult decât falusuri și vulve abstracte. În multe dintre tablourile sale se regăsește autoportretul și femeia, care este idealizată.

În scenele pe care le creez în pictură, eu sunt actorul principal.

Autoportret cu perfuzie și flori

De câteva ori i s-a întâmplat să fie numit misogin pentru că utilizează mult imaginea femeii. Acesta este un lucru pe care nu l-a înțeles, fiindcă el iubește femeia și dorința lui este să o metamorfozeze în artă.

Femeia va fi un subiect pe care l-am studiat și pe care probabil îl voi studia toată viața, chiar dacă nu voi înțelege, de fapt, nimic.

Bogdan Andronic a realizat o multitudine de tablouri, dar trei dintre ele, care sunt vândute de ceva timp, i-au fost tare dragi.

Prima se numește Regizor. Este o lucrare în care el devine imaginea regizorului de filme pentru adulți, de care mi-a povestit chiar la începutul interviului.

A doua lucrare foarte dragă are numele Autoportret cu perfuzie și flori. Ideea acestei picturi i-a venit atunci când se afla la spital. După ce și-a revenit, a realizat acest tablou în care a concentrat ideea bolii, dar a adus speranță prin elemente ca perfuzia, care semnifică viață, și sănătate și florile, care sunt aduse de femeie care este îngrijorată și care-l iubește.

Muze cu pisici

Cea de-a treia lucrare se numește Muze cu pisici. A realizat câteva astfel de tablouri de-a lungul timpului, dar acesta, în mod particular, semnifică pentru el feminitatea, delicatețea și frumusețea absolută.

Fără libertate nu există arta

Când am început să povestesc cu Bogdan Andronic despre libertatea în artă, și-a amintit de o frază spusă de pictorul german Jonathan Meese: Arta înseamnă totul. Arta înseamnă politică. Arta însemnă libertate. Arta înseamnă viață.

Când ajung în atelier mă rup de toate regulile societății. Doar așa pot picta. Fără libertate, arta nu ar mai exista.

Bogdan Andronic este pictorul boem care nu își face planuri și nu crede în ele. Nu știe ce va face următoarea zi, pe unde-l va mai purta viața. Totuși, cunoaște un singur lucru: va picta liber, va crea scene și momente și își va trăi la maxim viața.

06/10/2023
Pictură istorică, veche de 400 de ani, scoasă la vânzare

Primul eveniment dedicat designului interior din noul sezon al pieței românești de artă reunește aproximativ 200 de piese de colecție: obiecte decorative, pictură de epocă, sculpturi, vase din materiale rare, mobilier realizat în celebre ateliere europene, fiind dedicate designerilor de interior, care caută să inoveze spațiile interioare, dar și celor care își propun să decoreze casele într-un stil eclectic.

De-a lungul ultimilor ani, licitațiile dedicate designului interior, organizate de A10 by Artmark, au devenit noul market concentrat pe design interior, unde prețurile de pornire ale obiectelor reprezintă 20-40% din prețul pieței, care cuprinde clasicele magazine home&deco.

Unul dintre aspectele definitorii ale evenimentului „Case frumoase. Licitația de Design Interior, inclusiv o colecție de corpuri de iluminat” este varietatea, reunind stilurile Baroc, Art Nouveau, Art Deco sau Rococo, dar și esența altor epoci care au influențat profund evoluția designului interior.

O apariție excepțională în piața românească de artă este opera de artă „Madona cu pruncul” semnată de pictorul flamand Adrian de Bie, cunoscut pentru portretele și scenele biblice pe care le-a pictat în ceea ce s-a chemat „secolul de aur al picturii olandeze”. În lume s-au păstrat doar puține opere realizate de artist. Dintre acestea, amintim „Portrait de vieille femme”, care datează din 1652, aflat în colecția muzeului din Darmstadt, Germania, sau tripticul cu temă religioasă realizat în biserica Eligius din Lier, Belgia. Lucrarea din licitație, de mari dimensiuni, veche de 400 de ani, are prețul de pornire de 6.000 de euro și provine din celebra colecție istorică a renumitei pianiste Cella Delavrancea.

Preferat al Regelui Soare, Louis al XIV-lea, dar și al primului președinte al Franței, Napoleon al III-lea, mobilierul de tip Boulle (provenind de la numele celebrului ebenist André-Charles Boulle) s-a bucurat de un prestigiu regal și aristocratic timp de secole, fiind sinonim cu rafinamentul, luxul și detaliile fine. Exemple splendide ale designului de mobilier clasic Boulle sunt și cele 4 piese din licitația din 24 octombrie: impresionant secretaire Boulle în stil Napoleon al III-lea (preț de pornire 2.500 de euro), birou tip Boulle în stil Napoleon al III-lea, decorat cu intarsii și decorațiuni din bronz (preț de pornire 2.000 de euro), birou în manieră Napoleon III, cu marchetărie tip Boulle (preț de pornire 1.000 de euro) și comodă tip Boulle în stil Napoleon III, ornată cu intarsii și decorațiuni din bronz (preț de pornire 700 de euro).

Evenimentul „Case frumoase. Licitația de Design Interior, inclusiv o colecție de corpuri de iluminat” va avea loc marți, 24 octombrie, ora 19:00, în sala de licitații de la Palatul Cesianu-Racoviță, dar și online pe platforma Artmark Live. Expoziția licitației este deschisă de luni până duminică în intervalul orar 10:00-20:00, iar vizitatorii au prilejul de a primi consiliere în alegerea pieselor decorative din partea consultanților de artă prezenți.

05/10/2023
Lorenzo Quinn, valori și emoții în artă. Despre puterea poveștilor.

Protagonistul primei coperte Haute Culture – celebrul artist internațional Lorenzo Quinn – vine în România într-o vizită specială în luna noiembrie, cu ocazia primei aniversări a revistei.

Afinitatea dintre Lorenzo și Haute Culture se bazează pe împărtășirea unor credințe fundamentale: așa cum Haute Culture este o publicație care crede în valori și principii, fiecare operă de artă semnată de Lorenzo Quinn este ilustrarea unei valori primordiale a lumii în care trăim.

Sculptorul și creatorul de bijuterii Lorenzo Quinn este unul dintre cei mai apreciați artiști contemporani la nivel internațional, cu o evoluție fulminantă în ultimul deceniu.

De la opere de artă înfățișând sentimente umane profunde, care au avut un succes instantaneu datorită emoției nemijlocite pe care o transmit, Lorenzo a ajuns în prezent la creații monumentale renumite în întreaga lume pentru modul în care reflectă valori și principii fundamentale ale omenirii într-o manieră care merge dincolo de cuvinte.

Din Singapore și Qatar până în inima Europei, Lorenzo Quinn și-a transformat sculpturile în mesaje complexe despre iubire, speranță, vulnerabilitate, despre integritate, noblețe și viitorul umanității.

Printre cele mai cunoscute și fotografiate opere monumentale ale lui Lorenzo Quinn se numără proiectul itinerant “Building Bridges” (podurile din mâini sculptate, recreate în diferite orașe ale lumii, reprezentând valori umane fundamentale: prietenia, credința, iubirea, înțelepciunea, speranța) sau instalația “Baby 3.0”, sculptura devenită simbolul Bienalei de Arhitectură de la Veneția din 2022 și reprezentând renașterea spirituală a omenirii.

La fel de iconice sunt și mâinile – emblema sculpturilor lui Quinn – care îmbrățișează un palat venețian de pe Canal Grande. Unele dintre creațiile sale s-au transformat inclusiv în bijuterii prețioase, pentru ca simbolurile și credințele profunde împărtășite de către Lorenzo și publicul său să poată fi nu doar admirate, ci și purtate în fiecare zi.

Ca element care contribuie la fascinația lumii pentru Lorenzo Quinn, el este și fiul celebrului “Zorba Grecul”, regretatul actor Anthony Quinn.

În noiembrie, avem bucuria de a-l aduce în România pe Lorenzo Quinn, la cea de-a doua ediție a galei HAUTE CULTURE – THE CULTURE OF LUXURY, evenimentul care celebrează valorile și principiile autentice.

POVESTEA LUI LORENZO DE PE COPERTA HAUTE CULTURE

Pentru că HAUTE CULTURE și LORENZO QUINN împărtășesc viziuni comune despre valori și principii, vă oferim, sub forma unui serial online, o călătorie în universul emoției transformate în artă.

Fiecare operă este alăturată valorii primordiale de la care aceasta a pornit, dar și cu convingerile lui Lorenzo despre puterea emoției în artă.

DESPRE PUTEREA POVEȘTILOR

„Povestea perfectă” – așa cum se intitulează această sculptură – reia motivul iubirii, omniprezent în estetica lui Lorenzo, și îl transpune într-o formulă care ne duce cu gândul la marile povești de dragoste.

Puterea „poveștii perfecte” este, în subsidiar, povestea iubirii care devine combustibil pentru împlinirea celor mai îndrăznețe visuri. O iubire ideală este cea care oglindește tot ceea ce este mai frumos în cei doi membri ai cuplului și apoi reflectă în afară puterea lor comună de a-și transforma visurile în realitate.

„Visurile pot fi aliați puternici ai vieții. Atunci când cele mai frumoase visuri ale noastre devin realitate, noi devenim invincibili” crede Lorenzo.

04/10/2023
Lorenzo Quinn, valori și emoții în artă. Despre forța sinelui.

Protagonistul primei coperte Haute Culture – celebrul artist internațional Lorenzo Quinn – vine în România într-o vizită specială în luna noiembrie, cu ocazia primei aniversări a revistei.

Afinitatea dintre Lorenzo și Haute Culture se bazează pe împărtășirea unor credințe fundamentale: așa cum Haute Culture este o publicație care crede în valori și principii, fiecare operă de artă semnată de Lorenzo Quinn este ilustrarea unei valori primordiale a lumii în care trăim.

Sculptorul și creatorul de bijuterii Lorenzo Quinn este unul dintre cei mai apreciați artiști contemporani la nivel internațional, cu o evoluție fulminantă în ultimul deceniu.

De la opere de artă înfățișând sentimente umane profunde, care au avut un succes instantaneu datorită emoției nemijlocite pe care o transmit, Lorenzo a ajuns în prezent la creații monumentale renumite în întreaga lume pentru modul în care reflectă valori și principii fundamentale ale omenirii într-o manieră care merge dincolo de cuvinte.

Din Singapore și Qatar până în inima Europei, Lorenzo Quinn și-a transformat sculpturile în mesaje complexe despre iubire, speranță, vulnerabilitate, despre integritate, noblețe și viitorul umanității.

Printre cele mai cunoscute și fotografiate opere monumentale ale lui Lorenzo Quinn se numără proiectul itinerant “Building Bridges” (podurile din mâini sculptate, recreate în diferite orașe ale lumii, reprezentând valori umane fundamentale: prietenia, credința, iubirea, înțelepciunea, speranța) sau instalația “Baby 3.0”, sculptura devenită simbolul Bienalei de Arhitectură de la Veneția din 2022 și reprezentând renașterea spirituală a omenirii.

La fel de iconice sunt și mâinile – emblema sculpturilor lui Quinn – care îmbrățișează un palat venețian de pe Canal Grande. Unele dintre creațiile sale s-au transformat inclusiv în bijuterii prețioase, pentru ca simbolurile și credințele profunde împărtășite de către Lorenzo și publicul său să poată fi nu doar admirate, ci și purtate în fiecare zi.

Ca element care contribuie la fascinația lumii pentru Lorenzo Quinn, el este și fiul celebrului “Zorba Grecul”, regretatul actor Anthony Quinn.

În noiembrie, avem bucuria de a-l aduce în România pe Lorenzo Quinn, la cea de-a doua ediție a galei HAUTE CULTURE – THE CULTURE OF LUXURY, evenimentul care celebrează valorile și principiile autentice.

POVESTEA LUI LORENZO DE PE COPERTA HAUTE CULTURE

Pentru că HAUTE CULTURE și LORENZO QUINN împărtășesc viziuni comune despre valori și principii, vă oferim, sub forma unui serial online, o călătorie în universul emoției transformate în artă.

Fiecare operă este alăturată valorii primordiale de la care aceasta a pornit, dar și cu convingerile lui Lorenzo despre puterea emoției în artă.

DESPRE FORȚA SINELUI

”Macro Self-Portrait” este autoportretul atipic realizat de către Lorenzo sub forma unei amprente supradimensionate în patru variante de material: aluminiu, lemn, bronz și marmură.

Motivul pentru care Lorenzo a ales să-și folosească amprenta ca mod de reflectare de sine are legătură cu modul în care își exprimă arta și emoțiile: cu ajutorul mâinilor.

”Mi-am dorit mereu să-mi fac un autoportret, dar cine ar vrea să vadă chipul meu când, de fapt, mâinile mele sunt cele care fac toată magia?”, crede Lorenzo.

04/10/2023